Sandra Ackermann

Sandra Ackermann

monstera by sandra ackermann

Sandra Ackermann

Monstera, 2012

vendredi 15 février 2013samedi 16 mars 2013


Düsseldorf, Germany

Opening reception
Friday, Febbruary 15th
7-9:30pm

Sandra Ackermanns Figuren fordern einen Dialog mit dem Betrachter und konfrontieren ihn mit einer, dem Bild zugrunde liegenden Geschichte. Dabei fungieren die Frauen, für deren Erschaffung Ackermann meist Livestyle- und Modemagazine zurate zieht, als Layer für eine tiefgründige Geschichte: Zum einen zeichnen die Figuren das in der westlichen Gesellschaft verankerte Idealbild von Menschen nach und stehen damit in einer langen Tradition klassischer Darstellungen, angefangen über die ägyptischen Skulpturen, über Fresken in der Antike bis hin zur Stilikone und dem Ideal einer Frau überhaupt. Doch dieser Aspekt wirkt bei Sandra Ackermann immer nur vordergründig und eröffnet einen viel tieferen Diskurs: Verstörende, oder zumindest deplatziert anmutende Bildelemente beweisen, dass jede der Figuren eine Geschichte in sich trägt, die oft eines interpretatorischen Ansatzes bedarf, somit also der Rezeption des Betrachters überlassen bleibt. Die Frauenfiguren erscheinen trotz ihrer meist bildmittigen Anordnung als Folien oder Projektionsflächen für vielschichtige gesellschaftliche Phänomene, aktuelle Problematiken politischer oder ökologischer Natur und als Initiator der Frage nach Diskrepanzen zwischen Ikon, Image, dem Existenten, und – in letzter Konsequenz – der Wahrheit. Durch die klare Formensprache der Ölmalereien visualisiert Ackermann mit ihrem Werk nicht nur geradezu programmatisch das semiotische Dreieck der sich gegenseitig bedingenden Topoi von Begriff, Symbol und Ding, sondern lädt darüber hinaus zum Dialog und zur Ablösung von der scheinbaren Realität ein, deren einziger Bezugspunkt wiederum das Motiv der abgebildeten Frau ist, deren stoischem Blick sich der Rezipient nicht entziehen kann. Andererseits finden Ackermanns Frauen sich in einer Umgebung innergesellschaftlichen Verfalls wieder, die zu kontrollieren ihnen unmöglich scheint. Daher bleibt es für sie bei dem Ansatz, sich in dieser nicht gottgegebenen, sondern gesellschaftlich vorgeformten Umgebung zurechtzufinden und, in Relation dazu, eine eigene Position zu beziehen. Folglich erscheinen sie dem Betrachter nicht als Ausgelieferte in einer Dystopie, sondern ganz im Gegenteil als emanzipierte Personen, die lediglich die Frage zulassen, ob wir es hier mit Realität oder Surrealität zu tun haben. Diese gedankliche Brücke schlägt die Künstlerin durch die Wechselbeziehung der Figuren mit der Konstellation ihrer Umgebungen.
Sandra Ackermanns kontrolliert komponierte Bildelemente offenbaren somit trotz einer klaren und oft auch poetischen Bildsprache, in der die gezeigten Figuren immer auch eine hintergründige Wahrheit hüten, bei genauerem Hinsehen oftmals mindestens kritische Komponenten, wenn nicht teilweise sogar verstörende. Die ehemalige Slade School of Fine Art Stipendiatin bezeichnet ihre Bilder selbst als Spiegel, „schön wie die Werbung, aber emotional echter, […] nur dazu da, ein Gefühl, das ich von der Welt habe, in der ich lebe, zu bebildern.“ Auch diese Aussage belegt, dass Ackermanns Motivstilisierungen einer Überspitzung realer Kontexte dienen, die durch pointierte Verwendung auch immer einen Blick in vielschichtige Diskurse und somit in die Diversität des Innenlebens der Figuren erlauben.

_________________________________________________________________________________

Sandra Ackermann’s characters call for a dialogue with the viewer and confront him with a story underlying her pictures. In this connection the women act as a kind of layer for a deeper narration, for which creation Ackermann often consults livestyle and fashion magazines: On the one hand the characters retrace the deeply seated ideal of human beings in Western advertisement culture and thus consequently stay in a long tradition of conventional embodiments, beginning with Egyptian sculptures over frescoes of the ancient world to the point of the Ideal Woman in modern times. But this facet always seems to be only superficial and opens a much deeper discourse: Unsettling, or at least as deplaced appearing illustrational elements attest that every character comprises a tale [in it] that often needs an interpretation – and therefore left to the reception of the viewer. The female figures appear in their mostly central positions as foils or projectional interlayers for complex corporate phenomena, actual difficulties of political or environmental kind and as an initiator of the issue of a gap between icon, image, the existent, and – as a last consequence – the truth. Through the distinct language of shapes Ackermann not only programmatically visualizes the semiotic triangle of the reciprocal provisory of the topoi of term, symbol and object, but furthermore invites the viewer to participate in a dialogue – and asks for a displacement of the feigned reality, whose only benchmark again is the motif of the displayed woman, whose stoical gaze the receiver cannot escape. On the other hand Ackermann’s female figures find themselves in an environment of corporative lapse, which apparently is beyond their control. Therefore they remain in these not God-given, but socially preformed surroundings, and, in relation to that, they have to refer to their own positions. Thus the female figures do not manifest themselves as victims of a dystopia but rather as emancipated individuals who merely permit the question of whether we deal with reality or rather with surreality. The artist builds a bridge through the inter-relation of the figures with the constellation of their environments. Sandra Ackermann’s pictorial elements are composed in a controlled way and often reveal critical components or even unsettling ones, despite their clear and frequently poetic imagery in which the shown figures always hold a cryptical truth.
The former Slade School of Fine Art scholarship holder describes her oil paintings as mirrors „as beautiful as advertisements, yet truer in emotion, [...] only existing to give the feeling I have of the world in which I live, an illustrated expression.“ This statement also shows that Ackermann´s motif stylisations serve as a hyperbole of real contexts, which, through pointed use, open up the gate to complex discourses and to the character’s diverse inner lives.

Text by Béla B. Jász-Freit